머니앤테이블 영화 리뷰

크리스토퍼 놀란이 트로이 전쟁 이후를 다룬다는 소식이 나왔을 때 가장 궁금했던 건 하나였다. 신화를 실사로 옮기면서도 놀란 특유의 시간 구조를 어떻게 유지할 것인가. 3,500억짜리 영화, 뭐가 그렇게 다른가 영화 오디세이의 제작비는 2억 5천만 달러, 우리 돈으로 약 3,500억 원입니다. 놀란 감독의 전작들 중에서도 가장 큰 규모입니다. 그런데 숫자보다 더 인상적인 부분은 따로 있습니다. 이 영화는 역사상 최초로 전 편을 아이맥스(IMAX) 필름 카메라로 촬영했습니다. 아이맥스(IMAX)란 일반 영화보다 훨씬 큰 화면 비율과 고해상도를 제공하는 대형 영상 포맷으로, 쉽게 말해 눈앞에 거대한 세계가 펼쳐지는 듯한 몰입감을 줍니다. 촬영에 사용된 필름만 약 210만 피트, 길이로 환산하면 640km에 달합니다. 서울에서 부산을 왕복하고도 남는 양입니다. 그 결과가 스크린에서 고스란히 느껴졌습니다. 제가 직접 보면서 든 생각은 '이건 그냥 사이즈가 큰 영화가 아니라, 화면 하나하나가 미술 작품 같다'는 것이었습니다. 미국과 캐나다 개봉 첫 주말에만 약 1억 2,450만 달러를 벌어들였고, 전 세계적으로는 단 4주 만에 약 3,700억 원을 기록하며 제작비에 육박하는 수익을 냈습니다. 그렇다면 이 영화가 단순히 '비싸게 만든 블록버스터'에 그치냐 하면, 전혀 그렇지 않습니다. 서사적 깊이를 갖추기 위해 놀란 감독이 선택한 원작이 바로 문제의 핵심입니다. 원작인 오디세이아(Odysseia)는 고대 그리스의 시인 호메로스가 지었다고 전해지는 서사시로, 기원전 8세기 무렵 현재의 형태로 정리된 것으로 추정됩니다. 서양 서사문학(敍事文學), 즉 사건과 인물을 중심으로 이야기를 전개하는 문학의 출발점 중 하나로 평가받는 작품입니다. 프랑스의 소설가 르몽 노는 "인류가 완전히 새로운 이야기를 발견한 것 같지 않다"는 말을 남겼는데, 오디세이아를 읽고 나면 그 말이 허언이 아님을 깨닫게 됩니다. 영화를 보기 전에 알아...

피터 파커라는 캐릭터가 60년 넘게 사랑받는 이유는 힘이 아니라 책임에 있다. 이번 작품이 그 균형을 어떻게 다시 잡았는지부터 짚어본다. 성장서사 — 철부지 피터가 진짜 스파이더맨이 되기까지 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 마블 영화 특유의 화려한 액션을 기대하고 들어갔는데, 정작 가장 오래 마음에 남은 건 피터가 빗속에서 뛰쳐나가는 그 한 장면이었습니다. MJ가 곁에 있는 새 사람을 눈으로 직접 확인하는 순간, 4년 동안 몰래 SNS를 뒤지며 버텨온 마음이 한꺼번에 무너지는 거잖아요. 하늘에서 내리는 비와 피터의 감정을 겹쳐 놓은 연출이 너무 잔인할 정도로 정확했습니다. 이번 영화의 핵심 테마는 성장서사(Coming-of-Age Narrative)입니다. 성장서사란 주인공이 고통과 상실을 겪으며 내면적으로 성숙해 가는 이야기 구조를 뜻합니다. 피터는 이번 영화에서 메이 숙모, MJ, 네드, 그 누구의 기억에도 존재하지 않는 완전한 고립 상태에서 출발합니다. 그런데 제가 직접 겪어보니, 아니 정확하게는 스크린 앞에서 함께 겪어보니 그 고립감이 단순한 설정 이상으로 다가왔습니다. 학창 시절 어느 순간 나만 제자리에 멈춰 있는 것 같았던 그 기분과 겹쳐졌거든요. 메이 숙모의 회상 장면에서 세 번 중 처음으로 울컥했습니다. 저도 스스로 당황했습니다. 토니의 종이봉투가 그대로 화면에 잡히고 피터를 위로하는 메이의 대사가 흘러나올 때, 이건 그냥 히어로 영화가 아니라는 게 몸으로 느껴졌습니다. "넌 특별해서가 아니라 그냥 너라는 존재이기 때문에 사랑받는 거다." 이 대사 하나가 영화 전체를 관통합니다. 톰 홀랜드의 연기는 이번 작품에서 확실히 다른 궤도에 올라섰습니다. 제 경험상 이건 좀 다릅니다 — 노 웨이 홈까지는 귀엽고 발랄한 스파이더맨의 인상이 강했다면, 이번엔 무너지고 버티고 다시 일어서는 어른의 감정선이 살아있었습니다. 토비 맥과이어의 스파이더맨을 넘어섰다는 말이 과장이 아닐 수도 있겠다는 생각이 들었습니다. 젠데이아 역시 기억을...

2001년 개봉한 이 영화는 이후 20년 넘게 이어질 시리즈의 첫 장면이었다. 호그와트 급행열차가 출발하는 순간, 원작 팬들이 상상만 하던 세계가 처음으로 화면에 구현됐다. 마법세계로의 입문, 설계된 경이로움 해리포터와 마법사의 돌이 특별한 이유 중 하나는 마법세계(Wizarding World)를 소개하는 방식입니다. 마법세계란 비마법사 사회와 철저히 분리된 채 공존하는 마법사들의 사회 전체를 가리키는 말입니다. 보통 판타지 작품들이 독자를 처음부터 그 세계 안으로 던져 넣는 반면, 해리포터는 주인공 해리 자신이 완전한 이방인이라는 설정 덕분에 독자가 해리와 똑같은 속도로 이 세계를 발견해 나갑니다. 킹스크로스 역의 9와 3/4 승강장은 그 상징으로 완벽합니다. 벽돌벽을 향해 그냥 돌진해야 한다는 설정은 제가 처음 봤을 때 진짜 황당하다고 생각했는데, 돌이켜보면 그 황당함 자체가 이 세계의 진입 장벽을 표현하는 장치였습니다. 일반인에게는 보이지 않는 세계, 믿어야만 들어갈 수 있는 세계. 이게 단순한 판타지 설정이 아니라 세계관(World-building) 전체를 관통하는 철학입니다. 세계관이란 작품 속 세계가 작동하는 규칙과 논리 체계를 뜻합니다. 다이에건 엘리 장면은 제 경험상 이 영화에서 가장 압도적인 순간 중 하나입니다. 해리가 처음으로 마법 세계의 풍경을 직접 목격하는 장면인데, 다시 볼 때마다 그 시각적 밀도에 감탄이 나옵니다. 거기다 고블린이 운영하는 그린고츠 은행, 지팡이 가게 올리밴더스까지 이어지는 흐름은 단순한 설명이 아니라 하나의 완성된 세계가 실제로 존재한다는 확신을 심어 줍니다. 세계관 구축의 완성도를 수치로 확인하고 싶다면, 해리포터 시리즈가 현재까지 전 세계 80개 언어로 번역되어 5억 부 이상 판매되었다는 사실이 가장 직접적인 근거가 됩니다. ( 출처: Wizarding World 공식 사이트 ) 이 정도 확장성은 세계관 자체가 그만큼 촘촘하고 설득력이 있다는 방증입니다. 인물분석, 트리오의 구조는 우연이 아니다 해...

액션 장르에서 CG는 종종 과잉으로 흐른다. 이 영화가 흥미로운 지점은 CG를 어디까지 절제했는가, 그리고 그 절제가 결말의 설득력에 어떻게 작용했는가다.액션 연출은 진짜였다 이 영화에서 가장 먼저 인정할 건 추격신(chase sequence)입니다. 추격신이란 주인공이 위협 대상으로부터 도망치거나 쫓는 장면을 집중적으로 구성한 시퀀스로, 영화의 긴장감을 가장 직접적으로 만드는 요소입니다. 호프의 추격신은 단연 최고 수준이었습니다. 숲속 장면, 마을 골목, 직선 도로를 활용한 각각의 시퀀스는 구성 방식이 다 달라서 보는 내내 지루할 틈이 없었습니다. 촬영감독의 공도 컸습니다. 미장센(mise-en-scène)이란 화면 안에 담기는 모든 시각 요소, 즉 배우의 위치, 조명, 소품, 배경을 의도적으로 배치하는 연출 방식입니다. 쑥대밭이 된 마을, 흙먼지 자욱한 들판, 낡은 농촌 건물들이 어우러진 미장센은 어디서도 본 적 없는 분위기를 만들었습니다. 한국의 시골 마을에서 거대 크리처가 등장한다는 설정 자체가 신선하게 다가왔고, 제가 직접 봤을 때 그 분위기는 예고편보다 훨씬 강렬했습니다. 황정민 씨의 초반 캐리도 빼놓을 수 없습니다. 경찰 소장 고범성 역할로 이야기를 끌고 가는 방식이 자연스러웠고, 조인성 씨와의 육촌 관계라는 설정이 묘한 긴장감을 만들어 냈습니다. 음문석, 이상이 씨를 비롯한 조연 배우들도 저마다 존재감이 뚜렷했습니다. 제 기준에서는 이상이 씨의 비중이 정호연 씨보다 오히려 높게 느껴졌을 정도입니다. CG 기복과 대사의 어색함 좋은 것만 있었으면 B 티어를 주지도 않았을 겁니다. 크리처 CG(computer-generated imagery)는 컴퓨터로 생성된 시각 효과를 뜻하는데, 이 영화에서 CG의 기복이 꽤 심했습니다. 어떤 장면은 "오, 이 정도면 할리우드급이네" 싶을 만큼 완성도가 높았는데, 바로 다음 장면에서 속도감이 어긋나면서 이질감이 드는 경우가 반복됐습니다. 특히 괴 생명체가 빠르게 달리는 장면에서 인물들...

"인생은 초콜릿 상자와 같다"는 대사만 기억하는 사람이 많지만, 이 영화가 실제로 다루는 건 우연이 한 사람의 인생을 어떻게 통과하는가다. 포레스트 검프의 내러티브 구조: 왜 이 이야기는 질리지 않는가 포레스트 검프의 이야기 방식은 영화 문법에서 말하는 액자식 내러티브(Frame Narrative) 구조를 취하고 있습니다. 액자식 내러티브란 이야기 속에 또 다른 이야기가 담긴 구조로, 외부 서술자가 내부 이야기를 전달하는 방식입니다. 포레스트가 버스 정류장 벤치에 앉아 낯선 사람에게 자신의 인생을 풀어놓는 장면이 바로 이 외곽 틀에 해당합니다. 이 구조 덕분에 관객은 포레스트의 삶을 따라가면서도, 동시에 그가 지나온 삶 전체를 관조하는 이중적 시점을 경험하게 됩니다. 제가 이 영화를 볼 때마다 새로운 디테일을 발견하는 이유가 바로 여기에 있습니다. 미식 축구에서 탁구, 베트남 전쟁, 새우 사업, 달리기까지, 각각의 에피소드가 독립적으로 완결되면서도 하나의 삶으로 꿰어집니다. 이것은 에피소드식 플롯(Episodic Plot)의 전형으로, 단선적 인과관계 대신 시대의 흐름과 우연이 삶을 이끄는 방식을 구현합니다. 에피소드식 플롯이란 하나의 갈등이 직선으로 해결되는 것이 아니라, 독립된 사건들이 느슨하게 연결되며 주인공의 성격을 드러내는 서술 방식을 뜻합니다. 한 가지 솔직히 말씀드리면, 이 영화가 1960년대부터 1980년대까지의 미국 현대사를 배경으로 삼으면서 다소 특정 정치적 시각에 치우친 묘사를 하고 있다는 점은 부인하기 어렵습니다. 히피 운동, 반전 시위, 흑인 민권 운동이 배경으로 등장하지만 포레스트의 순진무구한 시선 안에서 그것들은 해석 없이 흘러갑니다. 명작으로 불리기에 손색이 없는 영화지만, 이 지점만큼은 한 번쯤 비판적으로 볼 필요가 있다고 생각합니다. 캐릭터 분석: 포레스트는 정말 바보였을까 영화 초반, IQ 75라는 수치가 제시됩니다. IQ(Intelligence Quotient)란 표준화된 검사를 통해 측정한 ...

토마스 앤더슨의 책상 위에 놓인 장 보드리야르의 "시뮬라크르와 시뮬라시옹"은 소품이 아니라 이 영화의 설계도다. 워쇼스키 감독팀은 철학서를 화면 구석에 배치하는 것만으로 관객에게 질문을 던졌다. 숟가락이 없다는 것 — 시뮬라크르의 충격 영화가 시작하자마자 토마스 앤더슨의 방에 책 한 권이 클로즈업됩니다. 제목은 장 보드리야르의 "시뮬라크르와 시뮬라시옹". 이게 그냥 소품 배치가 아니라 영화 전체의 설계도라는 걸 처음 봤을 때는 몰랐습니다. 시뮬라크르(Simulacre)란 원본에서 출발했지만 원본과 상관없이 독자적인 정체성을 갖게 된 복제물을 의미합니다. 보드리야르는 이 개념을 통해 현대 사회에서 이미지와 기호가 실제 현실보다 더 큰 영향력을 갖는 현상을 설명했습니다. 영화 속 예를 들면, 매트릭스 안에서 사람들이 느끼는 스테이크 맛, 출근길의 피로감, 세금 납부의 의무감은 모두 디지털 신호로 만들어진 것이지만 그들에게는 완벽한 현실입니다. 저는 이 개념이 처음에는 뇌 속에서 미끄러지는 느낌이었습니다. 그런데 '나는 솔로' 같은 리얼리티 프로그램을 보면서 갑자기 이해가 됐습니다. 방송에서 쌓인 이미지 하나가 실제 그 사람의 삶보다 훨씬 강한 현실감으로 시청자들에게 작동하는 순간, 그게 바로 시뮬라크르입니다. 매트릭스는 1999년에 이미 이 문제를 정확히 짚고 있었습니다. 이 개념을 알고 보면 영화 속 장치들이 다르게 읽힙니다. 오라클의 방에서 아이가 숟가락을 구부리는 장면, 그 아이의 대사가 다른 무게로 들립니다. "휘는 것은 숟가락이 아니라 나 자신입니다." 이것은 단순한 마인드셋 얘기가 아니라 불교의 실체론(實體論), 즉 세계는 고정된 실체가 없고 우리가 부여하는 의미에 의해 정의된다는 철학과 연결됩니다. 철학이 액션을 만났을 때 — 빨간 약과 파란 약 이 영화에서 저를 가장 오래 붙잡는 장면은 화려한 총격 씬이 아닙니다. 모피어스가 네오 앞에 두 알의 약을 내미는 그 장면입...

"카르페 디엠"이라는 대사가 워낙 유명해서 이 영화를 낭만적인 성장담으로만 기억하는 경우가 많다. 하지만 키팅 선생의 수업 방식이 실제로 학생들에게 어떤 대가를 요구했는지 짚어볼 필요가 있다. 아이비리그(Ivy League)라는 말을 들어보셨을 겁니다. 하버드, 예일, 컬럼비아, 브라운, 코넬, 다트머스, 펜실베이니아, 프린스턴, 이 여덟 개 미국 명문 사립대를 묶어 부르는 명칭입니다. 원래는 이 여덟 학교가 함께 치르던 미식축구 리그를 가리키는 말이었는데, 세월이 흐르면서 학문적 명성과 입시 경쟁을 상징하는 단어로 굳어졌습니다. 영화 속 웰튼 아카데미는 바로 그 아이비리그 진학률이 가장 높은 사립 기숙 고등학교입니다. 졸업생의 70%가 명문대에 진학한다는 학교 홍보 문구가 나오는 장면에서 저는 순간 멈칫했습니다. 어디선가 본 것 같은 숫자였으니까요. 한국에서도 특정 고등학교의 SKY 진학률이나 의대 진학 실적이 학교의 브랜드가 되는 풍경, 낯설지 않으시죠? 실제로 한국교육개발원(KEDI) 의 연구에 따르면 한국 청소년의 학업 스트레스 지수는 OECD 회원국 중 최상위권에 해당합니다. 그 숫자를 처음 봤을 때, 웰튼이 영화 속 먼 나라 이야기가 아니라는 걸 새삼 실감했습니다. 대학수학능력시험(수능)이라는 단일 평가 기준이 수십 년째 유지되면서, 한국의 고등학생들도 웰튼 학생들과 크게 다르지 않은 압박 속에 놓여 있는 것입니다. 웰튼 아카데미의 네 가지 교훈은 전통(Tradition), 명예(Honor), 규율(Discipline), 탁월함(Excellence)입니다. 탁월함이란 원래 자기 자신을 넘어서는 과정이어야 하는데, 입시라는 필터를 거치면 그것은 곧 '남보다 높은 점수'로 환산되어 버립니다. 제 경험상, 한국 교실도 이 구조에서 크게 다르지 않았습니다. "너를 위해서야"라는 말 뒤에 항상 대학 이름이 따라왔습니다. 카르페디엠 — 키팅 선생님의 가르침이 위험하면서도 아름다운 이유 카르페디엠(C...

  z 1985년 작품이 지금까지도 회자되는 이유는 타임머신이 드로리안이라는 발상 때문만은 아니다. 시간여행물이 빠지기 쉬운 논리적 함정을 이 영화가 어떻게 피해 갔는지 살펴본다. 스토리텔링 — 단순한 설정이 명작이 되는 구조 백 투 더 퓨처의 플롯은 사실 한 줄로 요약됩니다. "과거를 바꾸면 미래가 달라진다." 이게 전부입니다. 그런데 이 단순한 전제가 어떻게 전 세계 3억 8,500만 달러의 흥행 수익을 만들어낼 수 있었을까요. 제가 직접 영화를 다시 들여다보니, 거기엔 철저하게 계산된 내러티브 구조(Narrative Structure)가 있었습니다. 내러티브 구조란 이야기가 전달되는 방식과 순서를 설계하는 기법으로, 복잡한 설정도 관객이 자연스럽게 받아들이도록 만드는 뼈대 역할을 합니다. 마티 맥플라이는 낙천적이고 에너지 넘치는 주인공입니다. 빵셔틀 신세를 못 벗어난 아버지 조지, 세월에 지쳐버린 어머니 로레인, 유전자의 힘으로 아버지의 찌질함을 그대로 물려받은 누나까지 — 맥플라이 가족의 현재는 처참합니다. 그런데 이 설정이 그냥 배경 장치에서 끝나지 않습니다. 마티가 1955년으로 이동한 순간, 이 모든 것이 퍼즐처럼 맞물리기 시작합니다. 아버지의 첫사랑, 어머니와의 만남, 비프와의 관계가 전부 마티의 손에 달리게 되는 구조죠. 특히 인과율(Causality)이라는 개념을 영화가 얼마나 정교하게 활용하는지가 인상적이었습니다. 인과율이란 원인과 결과가 연결되는 논리적 사슬을 뜻하는데, 영화는 과거의 작은 변화가 현재에 어떤 파급 효과를 미치는지를 마티의 손이 사라지는 장면 하나로 시각화합니다. 저는 이 장면이 지금도 머릿속에 선명합니다. 팜플렛 하나 못 가져온 게 아쉬울 정도로, 이 영화는 소장 가치가 있는 장면들로 가득합니다. 로버트 저메키스 감독이 이 영화에서 택한 방식은 관객에게 정보를 미리 줘서 긴장감을 만드는 극적 아이러니(Dramatic Irony)입니다. 극적 아이러니란 관객은 알고 있지만 등장인물은 모르는 상...

처음 봤을 때는 그냥 신기한 판타지 애니메이션으로만 느꼈는데, 다시 보니 완전히 다른 영화였습니다. 베를린 국제영화제(Berlin International Film Festival)에서 애니메이션 최초로 황금곰상(Golden Bear)을 수상한 작품이고, 일본에서는 타이타닉의 흥행 기록을 넘어 역대 최고 흥행작 자리에 올랐습니다. 이 영화가 단순한 어린이 애니메이션이 아니라는 증거는 꽤 많습니다. 루머부터 제작 비하인드까지, 제가 직접 자료를 뒤지며 정리해봤습니다. 풍속업 루머, 실제로 파고들어 보니 이 영화를 한 번이라도 검색해본 분이라면 한 번쯤 마주쳤을 루머가 있습니다. 영화 배경이 성매매업소라는 것인데, 심지어 미야자키 하야오 감독 본인이 그렇게 말했다는 얘기까지 함께 돌았습니다. 제가 이 루머를 처음 접했을 때 솔직히 반신반의했습니다. 감독 본인이 직접 말했다는데 그냥 흘려듣기가 어려웠으니까요. 루머의 출처를 역추적해보면 마치야마 토모히로라는 일본 영화 평론가의 블로그로 연결됩니다. 그는 2002년 6월 21일자 프리미어 잡지에 미야자키 감독의 인터뷰가 실렸다고 주장하며, 해당 내용을 근거로 영화를 풍속업 중심으로 해석했습니다. 문제는, 제가 야후재팬과 구글을 한참 뒤져봤지만 그 인터뷰 원문 이미지나 기사를 어디서도 찾을 수 없었다는 점입니다. 실제 미야자키 감독의 프리미어 인터뷰는 2001년 9월호에 수록된 것으로 확인되는데, 평론가가 주장한 2002년 6월호와는 시점부터 맞지 않습니다. 미야자키 감독이 이 루머에 대해 공개적으로 "아니다"라고 딱 잘라 말한 인터뷰도 저는 끝내 찾지 못했습니다. 다만 감독은 영화 개봉 전부터 일관되게 "친구의 딸을 위해 만든 영화"라고 밝혀왔습니다. 프랑스 영화 잡지와의 인터뷰에서는 "선과 악의 싸움이 아니라 세계의 진실을 보여주고 싶었다"고 명확하게 말했고요. 루머가 번진 뒤에 해명한 것이 아니라, 개봉 전부터 제작 의도를 밝혀왔다는 점이 중요합니다. ...

6부작이라길래 가볍게 틀었다가 그날 밤 통째로 다 봤습니다. 넷플릭스 오리지널 '맨끝줄 소년'은 열등감에 짓눌린 교수와 수상한 학생 사이의 심리 게임을 그린 서스펜스 스릴러입니다. 최민식이라는 이름 하나만으로도 볼 이유는 충분하지만, 막상 보고 나면 그게 전부가 아니었다는 걸 알게 됩니다. 이 드라마, 대체 뭘 보여주려는 건가 국문학과 교수 허문호는 오래전 소설 한 편을 냈다가 혹평을 받은 이후, 새 작품을 내지 못한 채 강단에 서 있습니다. 겉으로는 교수지만, 속으로는 실패한 작가라는 자의식을 지우지 못한 인물입니다. 어느 날 과제로 받은 학생 소설 중 하나가 유독 눈에 띕니다. 강의실 맨 끝줄에 앉은 이강이 쓴 글이었습니다. 흥미로운 건 이강의 소설이 순수한 창작물이 아니라는 점입니다. 그 글은 이강이 지금 겪고 있는 실제 상황을 그대로 옮긴 것이었습니다. 픽션(fiction)과 논픽션(non-fiction)의 경계가 허물어지는 순간, 허문호라는 인물은 이야기에 끌려들기 시작합니다. 픽션이란 사실이 아닌 것을 상상으로 구성한 서사 형식을 뜻하는데, 이 드라마는 그 경계가 얼마나 쉽게 무너지는지를 가장 핵심적인 장치로 사용합니다. 원작은 스페인 극작가 후안 마요르가의 희곡 '맨끝줄 소년'입니다. 같은 원작을 바탕으로 프랑수아 오종 감독이 2012년 영화 '인 더 하우스(In the House)'를 만든 바 있습니다. 원작 영화는 두 사람이 공원 벤치에 나란히 앉아 아파트 창문들을 바라보며 "어느 집이든 들어갈 방법이 있다"고 속삭이는 열린 결말로 끝납니다. 희곡의 파멸적 결말과는 결이 전혀 다릅니다. 드라마 버전은 그 두 결말 사이 어딘가에 자리를 잡는데, 그 위치를 스스로 확인해가며 보는 재미가 상당합니다. 연출은 '우리들의 블루스', '그 겨울 바람이 분다', '트렁크' 등을 만든 김규태 PD가 맡았습니다. 각본은 장명우 작가가 썼습니다. 제...

레옹을 처음 본 게 극장이 아니라 감독판 블루레이였습니다. 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 그냥 유명한 액션 영화겠거니 하고 틀었다가, 마지막 장면에서 멈추지 못했습니다. 30년 전 영화가 지금도 재개봉 요청을 받는다는 게 처음엔 과장처럼 들렸는데, 직접 보고 나니 그 이유가 분명해졌습니다. 줄거리: 복수극으로 시작해 성장 이야기로 끝나는 영화 영화는 뉴욕의 어느 숲에 둘러싸인 레스토랑 장면으로 문을 엽니다. 브로커 토니가 레옹에게 살인 청부 의뢰를 건네는 장면인데, 분위기가 은밀하고 건조합니다. 레옹은 말이 없고, 일만 합니다. 타깃인 마피아 보스 존슨을 처리하는 방식도 군더더기 없이 깔끔합니다. 저는 이 도입부에서 주인공이 단순한 킬러물의 주인공으로 그려지겠거니 했습니다. 그런데 이야기는 전혀 다른 방향으로 흘러갑니다. 이웃집 소녀 마틸다의 가족이 마약 단속국 요원 스탠에게 몰살당하고, 마틸다가 레옹의 문을 두드리면서 영화의 결이 완전히 바뀝니다. 복수를 원하는 소녀와, 감정 없이 살아온 남자가 한 공간에 묶이는 구조입니다. 레옹은 마틸다를 거절하지 못하고, 결국 살인의 기초를 가르쳐주기로 합니다. 감독판에는 일반판에서 잘려나간 장면들이 복원되어 있습니다. 마틸다가 레옹에게 감정을 고백하는 장면이 대표적입니다. 이 장면 때문에 감독판이 논란이 되기도 했지만, 저는 이 장면을 오히려 레옹을 심란하게 만드는 장치로 읽었습니다. 마틸다의 갑작스러운 고백 이후 레옹의 표정이 흔들리는데, 그 흔들림이 이후 결말의 선택을 설명해준다고 생각합니다. 서사 구조(narrative structure)란 이야기의 시작과 중간과 끝이 어떻게 배치되는지를 뜻합니다. 레옹은 이 구조가 독특합니다. 복수극이라는 장르 문법으로 시작하지만, 후반부로 갈수록 성장 이야기(coming-of-age)의 문법으로 이행합니다. 성장 이야기란 주인공이 경험을 통해 내면적으로 변화하는 서사를 뜻하는데, 여기서 성장하는 쪽은 마틸다만이 아닙니다. 레옹도 마틸다를 만나기 전과 후가 다른 사람...

쇼생크 탈출을 처음 봤을 때, 솔직히 그냥 탈옥 영화라고 생각했습니다. 그런데 두 번째, 세 번째 볼수록 처음에는 눈에 들어오지 않던 장면들이 하나씩 다르게 보이기 시작했습니다. 이 글은 그 경험에서 출발합니다. 다시 볼 때마다 새로운 게 보이는 영화, 어떻게 보면 더 잘 볼 수 있는지 그 방법을 나눠드립니다. 복선 — 레드가 망치를 보고 비웃은 이유 앤디가 레드에게 작은 암석 망치를 구해달라고 부탁하는 장면이 있습니다. 레드는 실물을 보고 실소를 터뜨립니다. 이 작은 장난감 같은 도구로 뭘 하겠냐는 표정이었죠. 저도 처음에는 그 장면을 그냥 넘겼습니다. 그런데 나중에 그 망치로 벽을 뚫는 데 19년이 걸렸다는 사실을 알게 된 순간, 레드의 그 실소가 완전히 다른 의미로 다가왔습니다. 복선(foreshadowing)이란 뒤에 벌어질 사건을 미리 암시해두는 서사 기법입니다. 관객이 처음 볼 때는 그냥 지나치지만, 결말을 알고 나서 돌아보면 비로소 그 의미가 선명해지는 장치입니다. 쇼생크 탈출은 이런 복선을 상당히 촘촘하게 깔아놓은 작품입니다. 레드가 초반부에 군중 속에서 물건을 교환하는 장면도 그렇습니다. 너무 자연스럽게 지나가서 처음 볼 때는 알아채기 힘든데, 감옥 안 밀거래의 생태를 보여주는 디테일한 연출입니다. 가석방 심사 장면도 다시 보면 흥미롭습니다. 레드가 20년, 30년, 40년에 각각 받는 세 번의 심사에서 심사관들의 태도가 조금씩 달라집니다. 첫 번째는 고압적이고, 두 번째는 다소 부드러워지고, 세 번째는 여성 심사관도 배석합니다. 이 변화는 레드의 40년 수감 기간 동안 바깥 사회가 얼마나 달라졌는지를 간접적으로 보여주는 장치입니다. 대사 한 마디 없이 사회 변화를 시각화한 셈입니다. 또 한 가지, 레드의 수감 서류에 붙어 있는 젊은 시절 사진은 배우 모건 프리먼 본인이 아니라 그의 실제 아들 알폰소 프리먼의 사진입니다. 알폰소 프리먼은 영화 안에서 신입 재소자들을 위협하는 고참 역할로도 등장합니다. 아버지와 아들이 같은 영화에서 각...

스타워즈 프리퀄 삼부작이 개봉하던 시절, 저는 아버지 손을 잡고 극장에 앉아 있었습니다. 그때는 어색한 대사나 과한 CG가 거슬리기보다 그냥 압도당했습니다. 그런데 최근 시퀄 삼부작까지 다 보고 나서 다시 에피소드 1을 틀었을 때, 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 그때는 보이지 않던 이야기의 두께가 느껴지더군요. 프리퀄이 혹평을 받았던 배경 에피소드 1이 1999년 개봉했을 때, 오리지널 삼부작에 대한 기대감은 어마어마했습니다. 오리지널 삼부작(Original Trilogy)이란 1977년부터 1983년 사이에 나온 에피소드 4, 5, 6을 말하는데, 이미 전 세계 수억 명의 팬이 이 시리즈를 하나의 신화처럼 받아들이고 있었습니다. 그 기준을 충족하지 못했다는 평가는 어느 정도 예고된 것이기도 했습니다. 실제로 프리퀄에 대한 비판은 몇 가지 지점에 집중되었습니다. 조지 루카스 감독의 연출 스타일, 배우들의 어색한 감정 표현, 그리고 과도한 디지털 특수효과 의존도가 주요 타깃이었습니다. 특히 디지털 특수효과(CGI, Computer-Generated Imagery)란 컴퓨터로 만들어낸 그래픽 이미지를 영상에 합성하는 기술인데, 프리퀄은 이 기술에 지나치게 의존한 나머지 현실감이 떨어진다는 지적을 받았습니다. 제가 다시 봤을 때도 그 부분은 솔직히 아직도 걸립니다. 부정하기 어렵습니다. 그러나 같은 비판을 시퀄 삼부작(Sequel Trilogy)에 그대로 대입하면 어떨까요. 시퀄 삼부작이란 디즈니가 인수한 이후 2015년부터 2019년 사이에 제작된 에피소드 7, 8, 9를 가리킵니다. 이쪽은 CGI가 줄었다는 평가를 받았지만, 오히려 세계관의 일관성 측면에서 더 심각한 문제를 드러냈다고 저는 생각합니다. 캐릭터의 서사가 편 사이에서 뒤집히고, 복선이 회수되지 않으며, 전편과의 연결고리가 감독에 따라 달라지는 경험을 하고 나니 프리퀄이 새롭게 보이기 시작했습니다. 프리퀄이 실제로 담고 있는 것: 핵심 분석 프리퀄 3부작의 핵심 서사는 아나킨 스카이워...

터미네이터 2편이 최고라는 말은 영화 좀 봤다는 사람들 사이에서 거의 정설처럼 통합니다. 저도 한동안 그렇게 믿었습니다. 그런데 1편을 다시 꺼내 보고 나서 생각이 완전히 바뀌었습니다. 640만 달러짜리 이 영화가 어떻게 40년 넘게 살아남았는지, 직접 확인하고 나서야 이해가 됐습니다. 1984년, 그 배경이 만든 공포 1984년이라는 시대 배경을 먼저 짚고 넘어가야 합니다. 당시는 CGI(Computer Generated Imagery), 즉 컴퓨터로 만들어낸 디지털 시각효과가 아직 상용화되기 전이었습니다. 지금처럼 화면 위에 무엇이든 그려 넣을 수 없었다는 뜻입니다. 그래서 제임스 카메론은 다른 방법을 택했습니다. 실제로 보이는 것, 배우의 움직임, 도시의 어두운 골목, 조명이 만들어내는 그림자로 공포를 쌓아 올렸습니다. 영화는 처음부터 터미네이터를 설명하지 않습니다. 낯선 남자가 어둠 속 도시를 바라보고, 경찰관의 총과 옷을 빼앗고, 전화번호부를 뒤지며 '사라 코너'라는 이름을 하나씩 지워나갑니다. 관객은 이 남자가 무엇인지 모른 채 그냥 따라가게 됩니다. 그 모름이 공포입니다. 미스터리(mystery) 서사 구조란 정보를 의도적으로 지연시켜 긴장을 축적하는 방식인데, 1편은 이 구조를 SF 장르에 정교하게 접목시켰습니다. 사라 코너라는 이름을 가진 여성들이 차례로 죽어나가는 장면을 보면서 저는 솔직히 등골이 오싹했습니다. 이유가 뭔지 생각해봤는데, 터미네이터가 실수를 하지 않기 때문이었습니다. 망설임도, 주저함도 없이 목록을 지워나가는 그 기계적 움직임이 어떤 잔인한 장면보다 훨씬 불편하게 느껴졌습니다. 공포 연출의 핵심, 포인트 오브 뷰 숏 제임스 카메론이 1편에서 가장 영리하게 활용한 기법이 포인트 오브 뷰 숏(Point of View Shot)입니다. 포인트 오브 뷰 숏이란 특정 인물의 눈에서 바라보는 시선으로 화면을 구성하는 촬영 기법으로, 관객이 그 인물의 시각 자체가 되는 경험을 하게 만듭니다. 1편에서는 이 기법...

주말 저녁에 뭘 볼까 고민하다가 시청률 20%라는 숫자를 보고 바로 틀었습니다. 요즘 지상파 드라마가 10%만 넘겨도 화제작 소리 듣는 시대에, 25%라는 수치는 그냥 지나치기 어려웠습니다. 4화까지 몰아보고 나서 드는 생각은 이렇습니다. 단순한 액션물이라고 보기엔 감정선이 생각보다 촘촘하고, 그렇다고 완성도를 마냥 칭찬하기엔 아쉬운 지점이 꽤 선명하게 눈에 밟힙니다. 시청률 20%가 말해주는 것, 숫자 뒤의 맥락 시청률(視聽率)이란 특정 프로그램을 시청한 가구 수를 전체 TV 보유 가구 수로 나눈 비율을 뜻합니다. 현재처럼 OTT 플랫폼이 보편화된 환경에서는 동일한 콘텐츠가 넷플릭스를 통해 동시에 공개되기 때문에, 지상파 시청률 수치는 실제 총 시청 인구를 크게 과소평가하는 경향이 있습니다. 그럼에도 김부장은 1화 시청률 9%로 출발해 4화에서 수도권 기준 22%, 최고 25%를 기록했습니다. 이 수치는 단순한 인기를 넘어, 드라마가 특정 계층이 아닌 폭넓은 연령대를 동시에 끌어당기고 있다는 신호입니다. 닐슨코리아 에 따르면 최근 3년간 지상파 드라마 평균 시청률이 5~7%대에 머물고 있다는 점을 감안하면, 20% 돌파는 구조적으로 쉽지 않은 성취입니다. 제 경험상 이런 시청률 급등의 배후에는 대부분 '회차별 엔딩의 힘'이 있습니다. 김부장도 마찬가지입니다. 각 화의 마지막 장면이 딱 궁금증을 끊어내는 방식으로 설계되어 있어서, 다음 회차를 기다리게 만드는 구조가 탄탄합니다. 원작 웹툰을 연재 중인 플랫폼에서도 독자 수가 상당한데, 드라마가 그 팬덤을 흡수하면서 초반 상승세를 탄 것으로 보입니다. 소지섭이라는 선택, 그리고 그 선택의 그늘 소지섭이 이 역할에 잘 어울린다는 건 4화를 보고 나서도 여전히 유효한 판단입니다. 평범한 은행 부장의 무뚝뚝함과 이중간첩(二重間諜) 출신 요원의 냉정함을 한 몸에 담아야 하는 역할인데, 일상 씬에서의 어색하지 않은 꼰대감과 액션 씬에서의 절제된 움직임이 꽤 자연스럽게 연결됩니다. 이중간첩이란 ...

1,400만 명이 극장을 찾은 영화가 있습니다. 국내 상업영화 흥행 역대 4위에 오른 영화 국제시장입니다. 처음 이 숫자를 들었을 때 솔직히 반신반의했습니다. 그런데 막상 보고 나서는, 왜 그 많은 사람들이 눈물을 닦으며 나왔는지 조금 알 것 같았습니다. 흥남철수작전, 역사가 스크린 위에 올라오기까지 영화의 첫 번째 분기점은 흥남철수작전(興南撤收作戰)입니다. 흥남철수작전이란 1950년 12월, 중공군의 개입으로 전세가 불리해진 유엔군이 함경남도 흥남항에서 군인과 민간인을 동시에 철수시킨 군사작전을 뜻합니다. 영화는 이 장면을 부산 다대포 해수욕장에서 촬영했는데, 약 300명의 배우만 실제로 섭외하고 나머지 수만 명의 인파는 전부 CG(컴퓨터 그래픽)로 채워넣었다고 합니다. 제가 이 씬을 처음 봤을 때 CG라는 생각을 전혀 못 했습니다. 그만큼 스케일이 실감났습니다. 이 장면에서 등장하는 현봉학 선생님은 실제 인물입니다. 피난민 1만여 명을 미군 함정에 태워 살려낸 인물로, 흔히 '한국의 쉰들러'로 불립니다. 제작진은 이 역할을 오디션으로 캐스팅했는데, 개봉 후에야 그가 당시 여당 대표 아들이라는 사실이 알려지면서 작은 논란이 일었습니다. 제작진은 캐스팅 당시에는 전혀 몰랐다고 밝혔고, 저는 그 해명을 대체로 믿는 편입니다. 사람을 보고 뽑았다는 게 화면에서 느껴지니까요. 피난 장면 전체는 천 컷이 넘는 CG 분량으로 완성됐으며, 후반 작업에만 꼬박 1년이 걸렸다고 합니다. 사전에 애니메이션 동영상 콘티를 만들어 그대로 촬영했다는 점도 인상적이었습니다. 현장에서 고민하다 시간을 낭비하지 않기 위해 준비를 철저히 했다는 이야기인데, 이 정도의 사전 제작 방식을 프리 프로덕션(Pre-Production)이라고 부릅니다. 프리 프로덕션이란 실제 촬영 전에 기획, 콘티, 미술 설계 등을 완전히 끝내두는 제작 단계로, 대규모 블록버스터일수록 이 과정이 흥행을 좌우합니다. 파독광부 시퀀스, 가장 개인적인 장면이 가장 보편적이었다 덕수가 가족을 ...

저는 이 영화를 스크린에서 다시 볼 생각이 없었습니다. 집에서 이미 몇 번이나 봤으니까요. 그런데 재개봉 소식을 듣고 충동적으로 혼자 극장을 찾았고, 끝나고 나오면서 생각했습니다. '왜 진작 안 왔지.' 10년이 지난 영화가 여전히 이렇게 단단하게 느껴지는 이유가 뭔지, 지금부터 풀어보겠습니다. 캐릭터 아크, 토니 스타크는 처음과 끝이 다른가 캐릭터 아크(Character Arc)란 영화 안에서 한 인물이 경험하는 내면의 변화 궤적을 말합니다. 단순히 성격이 달라지는 게 아니라, 사건을 통해 가치관이 흔들리고 재정립되는 과정 전체를 가리킵니다. 그렇다면 토니 스타크의 아크는 어벤져스 안에서 얼마나 뚜렷하게 그려졌을까요. 영화 초반의 토니는 팀 플레이를 철저히 거부합니다. 스티브 로저스와의 충돌 장면을 보면, 두 사람이 단순히 성격이 맞지 않는 게 아니라 세계관 자체가 다르다는 게 느껴집니다. 토니는 명령 체계를 불신하고, 스스로 판단하는 것만 믿습니다. 그런 인물이 마지막에 핵미사일을 들고 포탈 안으로 사라집니다. 제가 직접 다시 보면서 느낀 건, 그 선택이 결코 즉흥적인 영웅주의가 아니라는 점이었습니다. 그 순간까지 쌓인 모든 갈등과 불신이 한 방향으로 수렴하는 장면이었습니다. 요즘 MCU에서 이런 캐릭터 아크가 흐릿해졌다는 느낌을 받는 건 저만의 생각일까요. 최근 페이즈 4, 5 작품들을 보면 인물들이 사건을 겪긴 하는데 그 전후로 달라진 게 잘 안 보입니다. 스펙터클은 커졌는데 인물은 얕아진 느낌이랄까요. 어벤져스를 다시 보고 나니 그 차이가 훨씬 선명하게 보였습니다. 아래는 제가 이번 재개봉을 통해 다시 확인한, 토니 스타크의 아크가 설득력 있게 느껴지는 이유들입니다. 초반의 자기중심적 판단이 갈등의 원인으로 직접 연결된다 팀 내 갈등을 통해 인물의 가치관이 시험받는 과정이 명확하다 마지막 선택이 갑작스럽지 않고, 앞선 장면들이 모두 복선으로 작동한다 희생의 의미가 대사가 아닌 행동으로 전달된다 페이즈 1이 지금도...

울고 나왔는데 뭔가 텅 빈 느낌, 혹시 경험하신 적 있으신가요? 저는 신과 함께를 보고 나서 딱 그 상태였습니다. 분명 눈물은 났는데, 극장 문을 나서는 발걸음이 이상하게 가벼웠습니다. 뭔가를 얻고 나온 게 아니라 뭔가를 쓰고 나온 느낌. 이 영화가 과연 감동적인 걸까, 아니면 그냥 감정을 소모시킨 걸까, 그 경계를 따져보고 싶었습니다. 신과 함께의 세계관은 한국 토속 신앙과 불교적 사후관을 혼합한 구조로 이루어져 있습니다. 망자(亡者)란 말 그대로 세상을 떠난 자를 뜻하는데, 영화에서는 이 망자가 저승의 49일 동안 일곱 개의 지옥을 통과하며 재판을 받습니다. 살인지옥, 나태지옥, 거짓지옥 등 각각의 재판은 생전의 죄목을 심판하는 구조로 짜여 있고, 이 설정 자체는 원작 웹툰의 핵심 골격을 잘 가져왔습니다. VFX(Visual Effects, 시각 특수효과)란 컴퓨터 그래픽이나 디지털 기술로 실제 촬영이 불가능한 장면을 구현하는 기술을 말합니다. 이 영화는 한국 상업 영화 기준으로 당시 VFX 완성도가 상당히 높았습니다. 불의 지옥, 얼음 지옥 등의 배경을 스크린에 가득 채웠을 때는 솔직히 입이 벌어졌습니다. 단순히 볼거리로서의 만족감만큼은 충분히 줬습니다. 다만 세계관의 규모와 서사의 밀도는 다른 이야기입니다. 저승의 구조가 얼마나 정교하게 시각화됐는지와, 그 안에서 주인공의 죄와 삶이 얼마나 깊이 파고드느냐는 별개입니다. 제 경험상 이 영화는 전자에는 성공했지만, 후자에서는 상당히 아쉬웠습니다. 카타르시스인가, 신파인가 카타르시스(Catharsis)란 고대 그리스 철학자 아리스토텔레스가 처음 제시한 개념으로, 극적 경험을 통해 감정이 정화되고 해소되는 심리적 상태를 가리킵니다. 좋은 드라마는 관객을 울리고 나서 뭔가 씻겨 나간 듯한 해방감을 줍니다. 반면 신파(新派)란 감정을 의도적으로 자극하는 방식으로, 이야기의 논리보다 눈물 유발에 집중하는 연출 경향을 뜻합니다. 이 둘의 차이는 생각보다 명확합니다. 카타르시스는 울고 나서 충만하고, 신파...

솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 포스터만 봤을 때는 묵직한 정극 사극이 나오겠구나 싶었는데, 막상 극장 안에서 느낀 건 그보다 훨씬 복잡한 감정이었습니다. 좋다 나쁘다를 딱 잘라 말하기 어려운 영화였고, 그래서 이 글을 씁니다. 일반적으로 유해진이 나오면 믿고 본다고들 하는데, 이번엔 그 말이 반은 맞고 반은 아쉬웠습니다. 톤앤매너: 비극과 희극이 섞이면 감동이 될까 영화를 보기 전에는 계유정난(癸酉靖難)이라는 역사적 사건을 어떻게 드라마화했는지가 가장 궁금했습니다. 계유정난이란 1453년 수양대군이 조카 단종의 왕권을 빼앗고 반대파 신하들을 숙청한 쿠데타를 말합니다. 조선사에서도 손꼽히는 비극적 정변인 만큼, 이걸 소재로 삼은 작품이라면 어느 정도의 무게감은 기본으로 깔고 가야 한다고 생각했습니다. 실제로 단종 파트는 그 기대에 꽤 부응했습니다. 박지훈 배우가 연기하는 단종은 세상을 다 잃어버린 어린 왕의 공허함을 제법 설득력 있게 전달했고, 영월 유배지로 향하는 장면들의 톤은 정말 묵직했습니다. 제가 직접 봤는데, 이 도입부만큼은 진짜 '정극 사극'의 냄새가 났습니다. 문제는 어몽도 파트가 시작되면서입니다. 톤앤매너(tone and manner)란 영화나 드라마 전체를 관통하는 감정의 결과 표현 방식을 말합니다. 그런데 이 영화는 단종이 나올 때와 어몽도가 나올 때의 톤앤매너가 너무 달라서, 보는 내내 온도 차이에 적응하느라 정신이 없었습니다. 열탕에서 냉탕으로 갑자기 뛰어드는 느낌이라고 하면 딱 맞습니다. 불편한 스위칭이었습니다. 일반적으로 비극과 희극을 교차하면 긴장 완화 효과가 생긴다고 알려져 있지만, 제 경험상 그건 희극 파트가 메인 서사를 방해하지 않을 때 이야기입니다. 이번 영화는 두 파트가 거의 대등한 비중으로 충돌하고 있어서, 어느 쪽에도 제대로 몰입하기 어려웠습니다. 특히 어몽도가 다른 마을 촌장과 유배지 유치를 위해 PPT 경쟁을 벌이는 장면은, 바로 앞 컷에서 단종이 유배 가마를 타고 있던 것과 병치되면서 의도치...

MCU를 한 번도 안 본 사람이 갑자기 아이언맨을 틀었습니다. 주변에서 "입문은 아이언맨부터"라는 말을 워낙 많이 들어서 반신반의하며 봤는데, 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 마블 세계관을 전혀 몰라도 이 한 편으로 충분히 말이 되는 영화였습니다. 줄거리부터 CG 완성도, MCU 문법까지 제가 직접 보면서 느낀 것들을 정리했습니다. 줄거리: 무기 상인이 무기를 버리는 이야기 아이언맨의 줄거리를 한 문장으로 요약하면 이렇습니다. "자기 무기에 당한 사람이 그 무기를 부수는 이야기." 단순해 보이지만, 이 구조가 생각보다 꽤 날카롭습니다. 토니 스타크는 세계 최대 방산 기업의 CEO입니다. 방산(防産)이란 방위산업의 줄임말로, 군사 무기와 장비를 개발·생산하는 산업을 뜻합니다. 천재 엔지니어에 플레이보이라는 캐릭터 설정인데, 영화 초반에는 솔직히 별로 좋아하기 어려운 인물입니다. 자기 잘난 맛에 사는 사람 특유의 피곤함이 있습니다. 전환점은 아프가니스탄입니다. 신무기 시연을 마치고 돌아오던 중 테러리스트에게 납치되는데, 이때 토니를 공격한 무기가 바로 본인이 만든 스타크 인더스트리의 제품이었습니다. 동굴에 갇힌 토니는 먼저 포로로 잡혀 있던 잉센 박사 덕분에 목숨을 건지고, 아크 리액터(Arc Reactor)를 가슴에 달게 됩니다. 아크 리액터란 소형 핵융합 장치로, 가슴에 박힌 파편이 심장으로 이동하지 못하도록 자기장으로 붙잡아두는 생명 유지 장치입니다. 테러리스트들은 제리코 미사일 제작을 요구하지만, 토니는 대신 첫 번째 슈트인 마크 1(Mark I)을 만들어 탈출합니다. 잉센이 목숨으로 시간을 벌어준 덕분이었습니다. 이 장면에서 토니의 표정 변화가 이 영화 전체의 방향을 압축해서 보여줍니다. 제가 직접 보면서 가장 오래 머릿속에 남은 장면이기도 했습니다. 귀국한 토니는 즉시 군수 사업 철수를 선언합니다. 그리고 나중에 밝혀지는 사실이지만, 테러 조직에 스타크 무기를 팔아넘긴 건 믿었던 동료 오베디아였습니다. 배...